Jean-Claude Bouillon-Baker : « Grandir dans l’ombre et la lumière de Joséphine »
Regarder l’interview en vidéo
Fabienne : Jean-Claude, quand vous pensez à votre enfance, quel est le premier souvenir qui vous vient à l’esprit ?
Jean-Claude Bouillon-Baker : (sourire nostalgique)
Les voyages, sans hésiter. Des valises toujours prêtes, des aéroports, des gares… On était une tribu en mouvement, derrière elle. Ma mère était accueillie comme une reine, une héroïne, partout où elle allait. Pour nous, les enfants, c’était à la fois magique et… épuisant. On aurait parfois aimé être invisibles, vous comprenez ? Juste des enfants comme les autres.
Fabienne : Vous parlez de la « tribu arc-en-ciel ». Comment viviez-vous cette diversité au quotidien ?
Jean-Claude Bouillon-Baker : C’était notre normalité. On grandissait ensemble, on partageait tout : les chambres, les jeux, les repas. Maman insistait pour qu’on soit traités à l’identique. Pas de favoritisme, pas de différence. Elle voulait qu’on incarne, sans même en avoir conscience, cette idée de fraternité universelle.
(pause, voix plus grave)
Mais attention, cette utopie avait un prix. On était aussi des symboles. Des enfants exposés, observés. Parfois, j’aurais aimé qu’on me voie juste comme Jean-Claude, pas comme « le fils de Joséphine Baker ».
Fabienne : Justement, comment gérez-vous aujourd’hui l’héritage de cette mère… si publique ?
Jean-Claude Bouillon-Baker : (rires légers) Ah, vous touchez là à quelque chose de complexe ! Elle était à la fois une mère tendre, drôle, simple dans la vie de tous les jours… et une femme qui, dès qu’elle franchissait une porte, devenait une icône. Elle avait cette aura, cette magie. Les gens la regardaient comme on regarde une étoile.
(ton plus intime)
Mais à la maison, elle ne nous parlait pas de ses combats, de ses performances, de la guerre. On a découvert certaines facettes plus tard. Pour nous, elle était d’abord… maman.
Fabienne : Et si vous deviez résumer son projet, la « tribu arc-en-ciel », en une phrase ?
Jean-Claude Bouillon-Baker : C’était sa conviction profonde : si des enfants de toutes origines grandissent côte à côte, ils apprennent naturellement à se respecter. Une leçon de vie… mais aussi une pression, car elle veillait au grain. (soupir) La moindre moquerie entre nous la blessait profondément. Elle avait peur qu’on reproduise, sans le vouloir, ce qu’elle avait combattu toute sa vie.
Fabienne : Un dernier mot pour le Festival Mix!Cité ?
Jean-Claude Bouillon-Baker : Dire que derrière le mythe, il y avait une femme immense, aimante, parfois dévorante.
(émotion dans la voix)
Ses enfants ont porté son amour… et son ombre. C’était notre vie, notre école de la tolérance.
Luis Bouillon-Baker : « Joséphine, entre la scène et le foyer »
Fabienne : Luis, quand vous repensez à votre mère, quel est le premier souvenir qui vous vient à l’esprit ?
Luis Bouillon-Baker : (sourire chaleureux)
C’est un souvenir simple, presque banal, mais si fort : son retour après des semaines de tournée. On descendait tous en courant pour l’accueillir, et elle nous ouvrait grand ses bras. Ces câlins, cette chaleur… C’était notre moment à nous. Elle quittait la star, la lumière, pour redevenir juste maman.
Fabienne : Vous dites souvent que Joséphine séparait clairement sa vie d’artiste de sa vie de mère. Comment cela se traduisait-il au quotidien ?
Luis Bouillon-Baker : (hoche la tête)
C’était comme deux mondes. Sur scène, elle était l’icône, la reine. Mais à la maison, elle enlevait son costume, ses paillettes, et devenait une mère attentive, joyeuse, un peu inquiète aussi. La famille, c’était son jardin sacré. Un espace où elle retrouvait la paix, où elle pouvait respirer. On ne parlait pas de ses tournées, de ses combats… Juste de nous, de la maison, des petits riens du quotidien.
Fabienne : Si vous deviez la décrire en trois mots, dans l’intimité, lesquels choisiriez-vous ?
Luis Bouillon-Baker : (sans hésiter)
Bienveillante, joyeuse… et préoccupée. Bienveillante, parce qu’elle veillait sur chacun de nous, comme si on était son unique enfant. Joyeuse, car elle apportait une énergie folle dans la maison. Et préoccupée… (soupir) parce qu’elle avait toujours un œil sur nous, sur ce qu’on ressentait, ce qu’on vivait. Elle voulait tout savoir, tout comprendre.
Fabienne : La « tribu arc-en-ciel » est souvent perçue comme un symbole. Pour vous, c’était avant tout une réalité familiale. Comment la viviez-vous ?
Luis Bouillon-Baker : (ton ferme)
On était des frères et sœurs, point. Les origines, les couleurs, les religions… c’était des détails. On les connaissait, on les respectait, mais ça ne nous définissait pas. Maman tenait à ce qu’on sache d’où on venait – moi, la Colombie ; un autre, le Japon ; un autre encore, la France… – mais c’était pour qu’on se sente entiers, pas différents.
(sourit)
Et puis, il fallait bien s’organiser ! Avec douze enfants, la discipline était nécessaire. On avait des règles, des responsabilités. Ce n’était pas une utopie désorganisée, c’était une famille.
Fabienne : Vous évoquez aussi une mère secrète, pudique sur son passé. Pourquoi, selon vous ?
Luis Bouillon-Baker : (voix plus basse)
Elle portait des blessures lourdes, vous savez… Son enfance aux États-Unis, la ségrégation, la misère. Elle ne voulait pas qu’on découvre ça par des livres ou des articles. Pour elle, l’Europe, c’était une renaissance. Elle préférait qu’on se souvienne d’elle comme de la mère qui nous avait choisis, aimés, élevés ensemble… pas comme de la petite fille qu’elle avait été.
(pause)
C’était sa façon de nous protéger, je pense.
Fabienne : Est-ce que sa réussite n’était pas en quelque sorte une revanche sur la vie ?
Luis Bouillon-Baker : (les yeux brillants)
Contre tout ce qui l’avait rabaissée, humiliée. Elle voulait prouver qu’une enfant noire, pauvre, pouvait non seulement s’en sortir, mais briller, et surtout… partager cette lumière. Sa réussite, ce n’était pas pour elle. C’était pour nous, pour sa tribu, pour montrer que la fraternité, ça marche. (sourit avec fierté)
Et aujourd’hui, je me dis que c’est toujours d’actualité.
Fabienne : Un mot pour clore cet échange, Luis ?
Luis Bouillon-Baker : (émotion dans la voix)
Dites que Joséphine Baker, ce n’est pas qu’une statue ou une photo dans les livres. C’est une mère qui a aimé, éduqué, protégé. Et ses enfants sont là pour en témoigner. (regard intense)
La mémoire, c’est aussi ça : des voix qui racontent ce qu’on a vécu.
Michèle Barbier : « Les dernières années de Joséphine Baker, fragilité, scène et renaissance »
Regarder l’interview en vidéo
Fabienne : Michèle, vous avez connu Joséphine Baker dans une période particulièrement difficile de sa vie. Pouvez-vous nous parler de votre première rencontre avec elle ?
Michèle Barbier : Oh, c’était à Göteborg, en Suède. Je me souviens comme si c’était hier. Ce jour-là, elle venait d’apprendre qu’elle avait définitivement perdu son château des Milandes. Je l’ai trouvée dans une cuisine, en train de faire la vaisselle, complètement abattue. Sa première phrase a été : « Oh, madame, j’ai beaucoup d’ennui. » C’était une femme brisée, mais… attendez la suite.
Fabienne : Que s’est-il passé ensuite ?
Michèle Barbier : Le soir même, elle est montée sur scène. Et là… c’était la métamorphose. Elle est devenue rayonnante, pétillante, souveraine. Comme si rien ne pouvait l’atteindre une fois les projecteurs allumés. Cette capacité à se relever, à transformer la douleur en lumière, c’est ce qui m’a le plus marquée chez elle.
Fabienne : Le public, lui, ne voyait que la star. Que cachait cette image ?
Michèle Barbier : Le public veut l’enchantement, la magie. Mais derrière la scène, Joséphine était une femme vulnérable. Quand ses difficultés devenaient publiques, certains se détournait. L’icône redevient humaine, et ça dérange. Pourtant, sur scène, elle avait ce contact immédiat avec le public. Chacun avait l’impression qu’elle chantait pour lui. C’était une vraie leçon de music-hall : générosité, présence, lien direct avec la salle.
Fabienne : Vous évoquez une anecdote au Mexique qui illustre son génie scénique. Pouvez-vous nous la raconter ?
Michèle Barbier : Absolument. Elle devait donner deux spectacles le même soir, dans le même lieu, avec le même orchestre et les mêmes chansons. Elle n’a pu répéter qu’un seul programme. Pourtant, le second spectacle a semblé totalement différent. Elle a changé de tenue, elle a parlé au public, elle a évoqué Jean Cocteau, Édith Piaf… Elle a transformé la soirée par la seule force de son imagination et de sa présence. C’est ça, le métier : l’improvisation, l’intelligence de scène, la capacité à faire rêver.
Fabienne : Ses dernières années sont souvent décrites comme une période de déclin. Vous, vous parlez de renaissance…
Michèle Barbier : Exactement. Après la perte des Milandes, elle avait tout perdu. Elle a eu du mal à retrouver sa place en France et aux États-Unis. Pourtant, elle a continué à travailler à l’étranger : Allemagne, Scandinavie, Argentine, Mexique… Son rêve ? Reconquérir New York et Paris. Et elle l’a fait. Il faut se souvenir de son retour triomphal, de la reconnaissance française. Joséphine n’a jamais été vaincue. Elle a toujours transformé ses blessures en force.
Fabienne : Et son engagement ? Comment l’avez-vous perçu ?
Michèle Barbier : À travers ses projets de livres, elle m’a dicté des pages sur sa vie, sa carrière, son engagement pendant la guerre, son combat contre le racisme et l’antisémitisme… Sa « tribu arc-en-ciel » n’était pas qu’un symbole, c’était une conviction. Ce qui m’a le plus frappée, c’est son courage, sa sincérité, sa générosité. Joséphine ne faisait jamais les choses à moitié. Elle aurait pu se contenter d’être une star, mais elle a pris des risques, elle s’est engagée pour la France, elle a mis sa notoriété au service de causes plus grandes qu’elle.
Fabienne : Un mot pour résumer Joséphine Baker, selon vous ?
Michèle Barbier : Une femme blessée, mais jamais vaincue. Elle transformait la perte en renaissance, la fatigue en éclat scénique, et sa vie entière en leçon de courage.
Brian Scott Bagley : Joséphine Baker, joie réparatrice, mémoire vivante et transmission afro-descendante
Regarder l’interview en vidéo
Fabienne : Brian, vous avez consacré une grande partie de votre vie à étudier et célébrer Joséphine Baker. Qu’est-ce qui vous lie si profondément à elle ?
Brian Scott Bagley : C’est une histoire qui a commencé il y a longtemps, Fabienne. Joséphine n’est pas seulement une icône pour moi, c’est une source d’inspiration vivante. Son parcours — artiste, résistante, militante, femme noire américaine devenue française — est une leçon de densité humaine. Elle a vécu plusieurs vies en une seule, et surtout, elle a laissé derrière elle une trace positive, une énergie de transformation. Pour moi, elle incarne la capacité à transformer les blessures en mouvement créateur.
Fabienne : Vous parlez souvent de la joie chez Joséphine Baker. Pourquoi ce mot est-il si central pour vous ?
Brian Scott Bagley : Parce que sa joie n’était pas superficielle. C’était une force de résistance. Malgré les discriminations, les obstacles, les épreuves, elle a toujours cherché à produire de la joie. Pas pour fuir la réalité, mais pour la réparer. Cette joie, c’était sa manière de dire : « Les épreuves ne définiront pas mon existence. » Elle ouvrait la possibilité d’un avenir différent, plus libre. Et ça, c’est révolutionnaire.
Fabienne : Son corps a souvent été au cœur des débats, parfois réduit à un objet d’exotisme colonial. Comment analysez-vous cette dimension ?
Brian Scott Bagley : C’est un point crucial. Oui, son corps a été regardé à travers les fantasmes de son époque, notamment dans le Paris des Années folles. Mais ce qui m’intéresse, c’est comment elle a repris la maîtrise de cette image. Elle n’a pas subi passivement ce regard : elle l’a transformé en puissance créatrice. Danseuse, interprète, inventrice de sa présence scénique… Elle a fait de la scène un espace d’affirmation. Joséphine n’était pas un corps observé, mais un corps créateur.
Fabienne : Vous travaillez sur un projet de musée dédié à Joséphine Baker et aux présences afrodescendantes à Paris. Pourquoi est-ce important pour vous ?
Brian Scott Bagley : Parce que Joséphine n’est pas une figure isolée. Elle est une porte d’entrée vers une histoire bien plus vaste. En suivant ses traces, on découvre des générations d’artistes, de militants, de créateurs afrodescendants qui ont marqué la culture française, mais qui ont souvent été effacés des récits officiels. Mon musée veut raconter cette histoire collective : donner leur place aux femmes, aux hommes, aux artistes LGBTQIA+, aux figures oubliées… C’est une question de justice mémorielle.
Fabienne : Elle a aussi porté l’idéal de la « tribu arc-en-ciel ». En quoi cet idéal résonne-t-il encore aujourd’hui ?
Brian Scott Bagley : La tribu arc-en-ciel, c’est bien plus qu’un symbole. C’est un projet exigeant : tenir ensemble la joie et la vérité, la mémoire et l’espérance, la diversité et l’unité. Joséphine nous rappelle que la mixité n’est pas un problème à résoudre, mais une réalité à accueillir. Mais attention, cette unité ne peut pas se construire en niant les injustices du passé. Il faut reconnaître les blessures, être lucide sur l’histoire, et travailler à la réparation. C’est ça, le vrai vivre-ensemble.
Fabienne : Un dernier mot pour résumer ce que Joséphine Baker représente pour vous ?
Brian Scott Bagley : Une joie réparatrice. Une femme qui a transformé les regards, créé des ponts entre les cultures, et qui continue d’inspirer ceux qui veulent bâtir une société plus ouverte, plus consciente, plus fraternelle. Son héritage n’est pas un patrimoine figé, mais une force active qui nous invite à transformer les blessures en dialogue, les différences en richesse collective, et la mémoire en avenir partagé.
Philippe Baudoin : « Joséphine Baker, le jazz, la danse et la construction d’un mythe »
Fabienne : Philippe, vous êtes collectionneur de partitions, notamment celles de Joséphine Baker. Qu’est-ce qui vous attire dans ces documents ?
Philippe Baudoin : (Sourire) C’est une passion un peu paradoxale, Fabienne. Je collectionne des partitions de jazz, de chansons françaises des années 1920-1940… et Joséphine Baker en fait naturellement partie. Mais je dois avouer que parfois, ce n’est pas seulement la musique qui m’intéresse. Les couvertures de ces partitions sont de véritables œuvres d’art. Je suis autant attiré par l’objet, par son esthétique, que par le contenu musical lui-même.
Fabienne : Parmi toutes ses chansons, y en a-t-il une que vous avez particulièrement travaillée ?
Philippe Baudoin : Sans hésiter, « J’ai deux amours ». C’est son titre le plus connu, et pour de bonnes raisons : les paroles sont magnifiques, la mélodie est intemporelle. J’en ai fait un arrangement au piano, dans un esprit jazz, avec mes propres accords. Je l’ai joué en solo, avec des saxophonistes, ou même dans des ambiances de piano-bar. Mais je ne prétends pas être un spécialiste de tout son répertoire. Je connais ses grands titres, bien sûr, mais je ne maîtrise pas l’intégralité de ses enregistrements.
Fabienne : Justement, parlons de son lien avec le jazz. Beaucoup l’associent à ce genre musical. Vous, vous semblez plus nuancé…
Philippe Baudoin : (Hoche la tête) C’est un point crucial. Joséphine Baker n’est pas, à proprement parler, une chanteuse de jazz au sens strict. Elle est avant tout une artiste de revue. Dans les revues américaines ou parisiennes de l’époque, tout se mélangeait : chanson, danse, music-hall, orchestres, numéros scéniques… Le fait qu’elle soit une artiste noire américaine chantant à Paris ne suffit pas à en faire une icône du jazz.
Fabienne : Alors, quelle est sa vraie contribution au jazz, selon vous ?
Philippe Baudoin : (Enthousiaste) Sa contribution, elle est là : ce n’est pas sa voix qui swingue, c’est son corps. Joséphine Baker ne chante pas des blues, elle n’improvise pas vocalement comme une Billie Holiday ou une Ella Fitzgerald. Mais quand elle danse, elle improvise, elle invente, elle sort des cadres chorégraphiques attendus. Elle a fait entrer le swing dans la danse, dans le geste, dans la présence physique. Elle a donné au swing une puissance visuelle et spectaculaire. C’est ça, son génie.
Fabienne : Vous évoquez le contexte des années 1920 à Paris. Comment Joséphine Baker s’y insère-t-elle ?
Philippe Baudoin : À cette époque, Paris découvre les musiciens noirs américains. Les Français sont fascinés par ces musiques nouvelles, joyeuses, puissantes… mais ils ne savent pas toujours les nommer. Tout est souvent appelé « jazz », même si ce n’est pas encore du jazz au sens où on l’entend aujourd’hui. Prenez Louis Mitchell et ses Mitchell’s Jazz Kings : on les associe aux premiers enregistrements de jazz en France, mais c’était plutôt un « proto-jazz ». Sidney Bechet, lui, était déjà un vrai grand musicien de jazz.
Joséphine arrive dans ce contexte, où Paris projette sur les artistes noirs américains un imaginaire musical, racial, exotique et moderne. C’est pour ça qu’elle a été associée au jazz, même si sa relation avec ce genre est plus complexe.
Fabienne : Vous parlez aussi de l’image de Joséphine Baker. Comment analysez-vous son impact ?
Philippe Baudoin : (Réfléchit) Son image est puissante : les affiches, les costumes, la ceinture de bananes, le léopard, la nudité scénique… Elle a été immédiatement prise dans un système de regard : fascination, exotisation, racisme, désir, modernité, provocation. Mais elle n’était pas qu’un objet de ce regard. Elle avait quelque chose : une présence, une force, un magnétisme. Elle a joué avec les stéréotypes, mais elle les a aussi déplacés par son intelligence scénique, son énergie, son inventivité.
Fabienne : Pourquoi Joséphine Baker touche-t-elle encore autant aujourd’hui, selon vous ?
Philippe Baudoin : Parce qu’elle est devenue un mythe. Comme certaines grandes divas, son nom dépasse la connaissance précise de son œuvre. Même les jeunes générations la connaissent, sans forcément connaître toute son histoire. Ce mythe ne repose pas seulement sur l’artiste, mais sur tout ce qu’elle représente : son engagement pendant la guerre, son attachement à la France, son image de femme libre, sa famille arc-en-ciel, son geste d’accueil d’enfants de toutes origines… Les gens admirent autant l’artiste que la femme engagée, maternelle, résistante et symbolique.
Fabienne : Une dernière question : pourquoi la France l’a-t-elle consacrée plus que les États-Unis ?
Philippe Baudoin : Parce qu’elle n’était pas encore une vedette aux États-Unis quand elle est arrivée à Paris. Elle faisait partie de revues, entourée d’autres danseuses, sans occuper la place centrale qu’elle a eue ensuite. C’est à Paris que quelque chose s’est produit : le regard français, la publicité, le contexte artistique et social l’ont transformée en star. Quand elle est retournée aux États-Unis, elle était déjà une grande vedette en France, mais le public américain ne la connaissait pas de la même manière. Et puis, il y a eu la ségrégation, bien sûr…
Fabienne : Pour résumer, comment définiriez-vous Joséphine Baker en une phrase ?
Philippe Baudoin : (Sourire) Joséphine Baker, c’est le swing dans le corps, et la scène comme espace de liberté.
Sylvain Gautier : « Joséphine Baker, le swing et la tribu arc-en-ciel »
Fabienne : Sylvain, quand vous pensez à Joséphine Baker, quelle est la première image ou idée qui vous vient à l’esprit ?
Sylvain Gautier : (Sourire) Ce n’est pas seulement une image, Fabienne, c’est une sensation de résistance. Bien sûr, elle était une danseuse exceptionnelle, une artiste totale, mais ce qui me marque le plus, c’est son engagement. Joséphine Baker, c’était une femme qui a transformé sa visibilité en acte de liberté. Elle n’a pas seulement dansé, elle a lutté. Et ça, c’est rare : il y a beaucoup de danseurs, mais peu d’artistes qui deviennent des figures de combat.
Fabienne : Vous parlez souvent du swing et du Lindy Hop. En quoi ces danses sont-elles liées à Joséphine Baker ?
Sylvain Gautier : Le swing, le Charleston, le Lindy Hop… Ce sont des danses qui portent en elles l’esprit de Joséphine. Ces danses, ce sont des langages de connexion. Chaque fois que vous dansez, c’est différent : ça dépend de votre partenaire, de votre humeur, de la musique… C’est une danse vivante, expressive, traversées par l’improvisation. Joséphine, elle aussi, improvisait sur scène. Elle ne se contentait pas de reproduire des pas, elle créait un dialogue avec le public, avec la musique, avec l’instant.
Fabienne : Vous dites que le jazz est parfois perçu comme élitiste, mais que la danse swing le rend à nouveau populaire. Pouvez-vous développer ?
Sylvain Gautier : (Hoche la tête) Exactement. Le jazz, à l’origine, était une musique populaire, née dans les milieux modestes. Mais avec le temps, il a pu devenir une musique de concert, parfois réservée à un public très diplômé, urbain, favorisé. Pourtant, quand le jazz est dansé, il redevient accessible. Dans les bals swing, on retrouve le corps, la joie, le partage, la fête. Les soirées swing attirent des publics très variés : jeunes, étudiants, retraités, personnes de tous milieux sociaux… J’ai même vu des danseurs de plus de cent ans ! C’est un espace rare de mélange intergénérationnel.
Fabienne : Vous évoquez la « tribu arc-en-ciel » de Joséphine Baker. Comment cette idée résonne-t-elle dans les bals swing aujourd’hui ?
Sylvain Gautier : (Enthousiaste) C’est là que c’est fascinant ! Les pistes de danse swing, c’est un peu la tribu arc-en-ciel en action. À Paris, par exemple, on voit des danseurs venus d’Australie, de Suède, de Corée du Sud, d’Égypte, de Turquie… Des gens qui ne se seraient peut-être jamais rencontrés autrement. Sur la piste, les frontières s’effacent. Ce qui compte, c’est la connexion, le rythme, la capacité à partager un moment commun. Joséphine Baker rêvait d’un monde où les différences seraient une richesse. Sur une piste de Lindy Hop, ce rêve devient concret.
Fabienne : Le jazz est souvent présenté comme un art du mélange. Comment cela se traduit-il dans la danse ?
Sylvain Gautier : Le jazz lui-même est né d’un mélange : les danses à deux, comme le Lindy Hop, héritent de cultures européennes, tandis que les rythmes du jazz viennent des traditions africaines, notamment d’Afrique de l’Ouest. Et puis, il y a cette dimension de dialogue entre danseurs et musiciens. Les musiciens cherchent parfois leur tempo en regardant les danseurs, et les danseurs adaptent leurs mouvements à ce qu’ils entendent. C’est une conversation sans mots, une improvisation partagée. C’est ça, la magie du swing.
Fabienne : Pourquoi Joséphine Baker reste-t-elle si populaire aujourd’hui, selon vous ?
Sylvain Gautier : Parce qu’elle a marqué son époque par l’image et par l’engagement. Elle a été l’une des premières artistes noires à devenir une star internationale, et il reste des traces filmées de ses performances. Mais surtout, elle était une combattante de la liberté. Elle s’est engagée pour la France, son pays d’adoption, puis aux États-Unis. Cette trajectoire donne une profondeur particulière à son héritage. Elle n’était pas seulement une artiste, elle était une femme qui a choisi son camp.
Fabienne : Vous parlez aussi du lien entre la France et les artistes noirs américains. Pourquoi ce pays a-t-il été si important pour eux ?
Sylvain Gautier : (Réfléchit) Parce qu’en France, ils ont trouvé une reconnaissance qu’ils ne connaissaient pas aux États-Unis. Aux États-Unis, à cause de la ségrégation, les artistes noirs étaient souvent cantonnés à des rôles de divertissement, sans être pris au sérieux. En France, ils pouvaient être écoutés avec respect, dans un silence d’attention. Pour beaucoup, dont Joséphine, Paris a été un lieu de liberté relative, où ils ont pu construire une autre image d’eux-mêmes.
Fabienne : Pour finir, comment résumeriez-vous l’héritage de Joséphine Baker en une phrase ?
Sylvain Gautier : (Sourire) Joséphine Baker, c’est la preuve que la danse peut être un acte de résistance, et que la piste de danse peut devenir un espace de liberté et de fraternité.